Arte e design. Vivere e pensare in carta e cartone

Arte e Design: vivere e pensare in carta e cartone di Paolo BiscottiniTre anni fa il Museo Diocesano di Milano dedicava una vasta rassegna espositiva alla scultura in cartapesta, considerata nella sua gloriosa tradizione da Sansovino al Bernini e poi su su fino ad alcuni straordinari apparati scenografici ottocenteschi e, in taluni casi anche novecenteschi.1 Era la prima volta che l’argomento usciva da un ambito puramente devozionale o effimero per accedere a quello dell’arte, grazie non solo al contributo di artisti sommi, ma anche alla straordinaria duttilità del materiale che, povero rispetto al marmo, al bronzo, al legno ecc. trovava proprio in questa sua caratteristica un approccio facile, che spesso sortiva risultati di grande e inaspettata eccellenza.Oggi lo stesso Museo intende ritornare a parlare di carta, di cartone e di arte, approfondendo la riflessione su materiali di uso quotidiano, poveri come pochi, ma adatti a interpretare e a stimolare significativamente nuovi ambiti della creatività artistica e a porre ipotesi inedite nella riformulazione del nostro habitat, offrendo spunti sorprendenti all’immaginazione.I ventuno artisti italiani ed internazionali invitati a riflettere sulla produzione in carta, sperimentano ed interpretano in questa occasione le potenzialità della carta attraverso una vasta gamma di pratiche e tecniche, realizzando tanto sculture quanto opere a carattere ambientale.La carta, nella particolare specie della cartapesta come si era visto nella citata mostra del 2008, è ampiamente utilizzata come materiale scultoreo durante i secoli XVI e XVII per realizzare opere a carattere sacro, capaci di imitare materiali nobili come l’argento, il bronzo, il marmo ecc. Utilizzata poi nei secoli successivi per realizzazioni effimere, come ad esempio le maschere del Carnevale, la carta ricompare agli inizi del Novecento nei collages degli artisti dada e cubisti, in particolare Picasso e Braque. In queste opere la carta, sotto forma di ritagli di giornali, è un frammento di realtà riportato sullo spazio della tela ed è impiegata in primo luogo come mezzo per creare dei patterns visivi sulla superficie del quadro. Si deve a Joseph Albers e ai suoi corsi tenuti presso la Bauhaus di Dessau tra il 1929 e il 1933 una nuova considerazione della carta e del cartone e delle loro molteplici potenzialità. Nella seconda metà del Novecento la carta riaffiora come un materiale rilevante nelle pratiche artistiche secondo due grandi polarità, una legata all’Arte Povera, l’altra legata a quelle ricerche tra arte e design condotte tra gli anni Cinquanta e Sessanta e che trovano nella figura di Bruno Munari il maggior interprete. Così ci verranno alla mente da una parte alcune grandi opere di Michelangelo Pistoletto, come la grande Rosa Bruciata (1965) in cartone o il Mappamondo (1966) di cartapesta o ancora le Colonne di Alighiero Boetti in carta fustellata, dall’altra le giocose sperimentazioni di Munari, come ad esempio Le sue sculture da viaggio, piccole sculture “tascabili” ironicamente concepite per allestire una collezione da viaggio, che esprimono bene i valori di creatività e progettualità dell’opera dell’artista milanese.Il lavori dei giovani artisti si ricollegano evidentemente, e secondo modalità diverse, a queste precedenti esperienze. Tuttavia uno degli aspetti più rilevanti di queste ricerche è la volontà degli artisti di inserirsi, proprio attraverso la sperimentazione della carta, entro un orizzonte nuovo dell’arte contemporanea, alternativo a campi oggi più battuti, come la fotografia o la video arte. Non è un caso che il duo Perino & Vele abbia visto nell’utilizzo della cartapesta una vera e propria sfida da superare per potersi affermare nel mondo dell’arte contemporanea2 e che essa rappresenti per loro un “nuovo mezzo dell'arte”. In quest’ottica non sorprenderà, avanzando un paragone con l’architettura, che l’architetto giapponese Shigeru Ban abbia realizzato alcune parti del nuovo Centre Pompidou a Metz in un materiale povero come il cartone, assumendo così una posizione critica e alternativa rispetto ai grandi “musei spettacolo” e alle loro sorprendenti architetture. Le opere qui presentate, ognuna in modo diverso e tracciando percorsi legati ora alla costruzione scultorea dello spazio (Calignano, Cardelus, Cordero, Glajcar, Manto, Margherita, Perino & Vele, Pirri) ora alla dimensione del gioco (Mastrovito, Menghi), ora alla denuncia sociale (Rabbia) o alla dimensione più specificamente scultorea (Gilmour, Gonzato), sembrano dichiarare la propria appartenenza ad una dimensione antimonumentale della scultura, quasi fossero pensate e realizzate per “sottrazione di peso” rispetto alla scultura tradizionale. Il confronto con, ad esempio, le grandi sculture di Richard Serra o di Anish Kapoor o, ancora, con alcune dell’Arte Povera (si pensi alla vasta produzione di Kounellis), rende evidente come le opere selezionate per questa mostra si collochino in una dimensione completamente autonoma, in cui l’utilizzo della carta, materiale fragile ed effimero, e il ricorso a tecniche manuali come il ritaglio, rivestano un significato particolare nel panorama dell’arte contemporanea. Nell’opera di Angela Glajcar si noterà allora il contrasto tra la fragilità del materiale e la forza con la quale l’artista tedesca, non estranea ad influenze romantiche, scava nella profondità della materia creando misteriosi spazi, conferendo così alla scultura un carattere aperto, mobile, in continua mutazione: una sorta di messa in discussione di quella stessa monumentalità, cui pare in qualche modo ancora far riferimento, nonostante l’alleggerimento della materia e l’evidenziazione della sua fragilità, quasi un’icona della contemporaneità, in cui i valori e le stesse istituzioni che da essi sono germinate, paiono fortemente a rischio e destinate a cedere sotto la pressione di forze irresistibili. Maggie Cardelus, invece, dà vita attraverso il ritaglio fotografico ad un’opera di incredibile leggerezza, fluttuante nello spazio quasi fosse un’immagine di sogno. Ugualmente Alfredo Pirri realizza una scultura leggera, eterea che avvolge lo spazio in una luce soffusa, mentre il San Vitale di Pietro Ruffo, ricostruzione cartacea della basilica di Ravenna, si anima nello spazio grazie alle figure intagliate che la decorano. In C’è un tempo, titolo ispirato ad un passo del Vecchio Testamento, anche Sabrina Mezzaqui porta a nuova vita la tecnica del ritaglio, concependo un’opera in cui la carta ritagliata è esaltata nella sua preziosità quasi fosse un ricamo. In quest’opera sapienza manuale e sapienza letteraria, come dimostra- no i volumi del Corano, dei Veda, dei Ching si incontrano nello stesso medium della carta, alla quale l’artista sembra quasi conferire un valore sacrale, come avviene nella cultura shintoista degli origami. La mostra Arte e Design: vivere e pensare in carta e cartone esprime allora la volontà del Museo Diocesano di dialogare con i linguaggi della contemporaneità e le sue più innovative espressioni, scoprendo in esse non solo parentele con le altre forme dell’arte, ma anche con il senso del presente. E mentre la fragilità della carta dischiude nuovi ambiti di immaginazione, la tecnica stessa ci invita a riflettere sulla dimensione concettuale della materia che, in questa mostra, pare essere feconda di ispirazioni utili ad interpretare le attuali contraddizioni.1. Si veda al proposito La scultura in cartapesta. Sansovino, Bernini e i Maestri leccesi tra tecnica e artificio, a cura del Museo Diocesano di Milano, Silvana Editoriale, Milano, 2008 2. “(...) la nostra sfida era quella di trovare qualcosa di nuovo. Volevamo trovare un materiale che non fosse usato così frequentemente nell’arte contemporanea, ma sapevamo che avremmo dovuto pagare un prezzo per diventare scultori”.